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La propia naturaleza del Análisis, su carácter claramente globalizador,
pone en relación todo lo aprendido sobre música en las etapas educativas
anteriores con el hecho sonoro puro, y además aporta una visión de las
obras tanto desde el punto de vista del oyente como del estudioso que
quiere profundizar en el conocimiento del hecho musical, su gestación y
sus resultados sonoros y perceptivos. El punto de vista del estudio del
Análisis es la comprensión de la propia música, de la obra en sí:
conocer y reconocer la organización del lenguaje utilizado (elementos y
procedimientos) y las características sonoras que nos permiten encuadrar
esa obra en un contexto histórico (armonía, melodía, ritmo, timbres,
cadencias, forma, etc.). Todo ello tiene como objetivo dotar al
estudiante de unas herramientas que favorezcan disfrutar más a fondo de
la música, así como adquirir unos conocimientos que faciliten tener una
posición crítica ante las obras, lo que requiere el conocimiento de
aquellos aspectos que son sintomáticos de la calidad musical.
Una parte importante del Análisis musical lo constituye el estudio de la
forma musical: las diferentes estructuras de las que han hecho uso los
compositores a lo largo de la historia y que en muchos casos han
generado las denominadas formas-tipo o formas históricas. Comprender los
elementos que constituyen la forma musical, su evolución y cómo se ha
buscado a lo largo de la historia que la estructura de las obras
favorezca la comunicación con el público se conforma como uno de los
aspectos analíticos más importantes.
La materia desarrolla destrezas y capacidades esenciales para la
comprensión y disfrute de la música y del arte en general: mejora el
oído interno, la atención, la concentración, la memoria, la curiosidad,
el afán por relacionar y conocer y, en suma, es fuente de un
conocimiento en profundidad de la música, ya que supone un contacto
directo con los procedimientos compositivos y los procesos creativos de
los autores.
Aunque el Análisis musical puede abordarse de muy diversos modos y desde
muy diferentes puntos de vista, y a pesar de que es posible analizar
aisladamente cada parámetro musical en una obra y así realizar un
análisis rítmico, armónico, melódico, formal, textural, etc., es
preferible que, utilizando esos análisis parciales, el análisis tenga en
cuenta todos los elementos analizables y, a partir de su observación
detenida, relacionarlos y comprender cómo debe sonar la obra y por qué;
cuáles son los procedimientos que utiliza el autor y qué sensación nos
provoca como oyentes; qué dirección toma la música en cada momento; qué
tipo de «juego» establece el compositor con el oyente y cómo debe
recrearlo el intérprete.
La partitura es un guión, muchas veces imperfecto por la imposibilidad
de reflejar en un papel todo lo que el compositor desea; un guión que
hay que interpretar. Y sin la interpretación la obra musical no existe,
ya que se manifiesta cuando suena y llega al público, al oyente. Por
todo ello, se opta porque el estudio de la materia en esta etapa
formativa se base fundamentalmente en su dimensión auditiva y no tanto
en el trabajo con partituras, si bien no debe excluirse esa posibilidad.
Lo importante no es lo que se ve en la partitura sino lo que escucha el
oyente. Ver con los oídos y escuchar con los ojos -dicho
metafóricamente- es una de las aspiraciones de los músicos: ver una
partitura y saber cómo suena y escuchar una obra y saber cómo está
realizada, e incluso ser capaz de transcribirla. El enfoque dado en el
bachillerato a la materia Análisis musical pretende profundizar en la
percepción sonora de las obras, y, si se desea, observar cómo se refleja
en la partitura.
La organización de la materia presenta un primer curso más generalista
que permite adquirir una formación mínima para escuchar la música con
criterios firmes, utilizando las herramientas necesarias para
comprenderla en profundidad. En el segundo curso se profundiza en el
análisis de las formas y lo característico de cada estilo, básicamente
de la tradición de la música occidental, incorporándose referencias de
la música popular, el Jazz y otras músicas urbanas, así como de la
música de culturas no occidentales por la gran aportación que han
realizado a la música occidental sobre todo a partir del siglo xx, por
su interés intrínseco y porque la pluralidad cultural es cada vez más
una realidad social.
Objetivos
La enseñanza del Análisis musical en el bachillerato tendrá como
finalidad el desarrollo de las siguientes capacidades:
1. Percibir, a través de la audición, tanto por medios convencionales
como con el uso de las tecnologías, los elementos y procedimientos que
configuran una obra musical y captar la diversidad de recursos y rasgos
esenciales que contiene.
2. Comprender la organización del discurso musical, observando los
diferentes elementos y procedimientos que dan lugar a su estructuración:
partes, secciones, materiales, texturas, armonía, melodía, ritmo,
timbre, procesos de crecimiento y decrecimiento de tensión, puntos
culminantes, cadencias, etc.
3. Conocer las principales formas musicales históricas o formas-tipo y
su evolución, relacionarlas y comprender que el lenguaje musical, como
el resto de los lenguajes, tiene unas normas que varían a través del
tiempo y recibe influencias diversas que le hacen transformarse.
4. Reconocer las características de los principales estilos musicales:
la armonía, la melodía, la textura, el ritmo, la instrumentación, la
ornamentación, etc., y ser capaz de detectar alguna de esas
características en obras pertenecientes a épocas o estilos distintos
como reminiscencias del pasado.
5. Comprender la relación entre música y texto en obras vocales o
vocales e instrumentales en las diferentes épocas históricas.
6. Adquirir un léxico y una terminología adecuados para expresar y
describir, de forma oral y escrita, los procesos analíticos asociados al
estudio de obras y estilos musicales así como los procesos musicales,
atendiendo no sólo al componente objetivo de la música sino también al
subjetivo, lo que percibe el oyente.
7. Conocer las músicas de otras culturas, sus características, las
sensaciones que provocan y la función que cumplen en su contexto
histórico-social, aprender a valorarlas y comprender la influencia que
han tenido en la música occidental a lo largo de la historia.
8. Utilizar el sentido crítico para valorar la calidad en las obras de
diferentes épocas, estilos y géneros, basándose en la percepción de los
elementos y procedimientos constructivos, juzgando con criterio,
argumentando y exponiendo las opiniones con precisión terminológica.
Análisis musical I
Contenidos
1. Iniciación a los elementos analíticos:
- Percepción de los elementos que intervienen en la estructura de una
obra musical (melodía, armonía, ritmo, timbre y textura) en diferentes
agrupaciones vocales e instrumentales.
- Comprensión de las características sonoras de obras de diferentes
épocas, estilos, géneros y culturas de la literatura musical.
- Elaboración y lectura de críticas de las obras escuchadas, atendiendo
especialmente a las impresiones producidas por la obra, utilizando
distintas fuentes de información.
- Diferenciación entre la vivencia de la música grabada o en vivo:
variación de sensaciones, interacción intérprete-público, etc., en
conciertos y actividades musicales.
- Consolidación de los buenos hábitos de escucha y del respeto a los
demás durante la interpretación de música.
2. La forma musical:
- La forma musical y su percepción. Comprensión de la organización
estructural de la música, y utilización de los diferentes modos de
representarla gráficamente, para reflejar esquemáticamente las partes,
secciones y subsecciones en las que puede dividirse una obra musical.
- Estudio de la forma musical a distintas escalas (macroforma, mesoforma
y microforma) y su aplicación a diversos niveles.
- Procedimientos generadores de forma (la repetición, el contraste, la
elaboración de materiales, la coherencia, etc.) y otros aspectos
formales (tensión y distensión, puntos culminantes, equilibrio, relación
entre secciones, etc.).
- La música con texto. Relación de la palabra con la música: sus
diferentes tratamientos.
3. Las formas históricas:
- Principios de configuración musical (morfología y sintaxis) que
proporcionan la singularidad de una obra y establece la jerarquía entre
los diferentes parámetros sonoros.
- Estudio de las principales formas-tipo desde la música medieval hasta
nuestros días.
Criterios de evaluación
1. Reconocer la forma de una obra, su correspondencia o no con una forma
tipo, a partir de la audición de la misma, y saber explicarla con la
terminología precisa, con o sin partitura.
Mediante este criterio se pretende evaluar la capacidad para comprender
el modo en que está construida una obra, así como para entender la
relación entre la estructura y los elementos y procedimientos
utilizados. Asimismo, se evalúa si se comprende lo que es forma tipo o
forma histórica, empleando un lenguaje concreto y adecuado.
2. Distinguir en la audición de una obra las diferentes voces y/o
instrumentos.
Con este criterio se podrá evaluar la capacidad del alumno para
distinguir el timbre de los diferentes instrumentos y voces, cualquiera
que sea su combinación.
3. Reconocer la textura de una obra o fragmento escuchado, explicando
sus características de un modo claro y conciso, utilizando o no la
partitura.
Este criterio permitirá valorar el nivel de percepción de la música, la
escucha de los diversos planos sonoros y el conocimiento de la
terminología adecuada.
4. Identificar procesos de tensión y distensión, así como el punto
culminante, en una obra previamente escuchada, determinando los
procedimientos utilizados.
A través de este criterio se evaluará la capacidad del alumno para
percibir los procedimientos de tensión/distensión utilizados por el
compositor y, si se desea, identificarlos en la partitura.
5. Escuchar obras de características o estilos diversos y reconocer las
diferencias y/o relaciones entre ellas, utilizando posteriormente si se
desea la partitura.
Con este criterio se podrá valorar la capacidad para distinguir aspectos
característicos de la música y la diferencia entre ellos, tales como la
estructura, sus características armónicas, rítmicas, tímbricas, etc., y
la pertenencia a una determinada época o estilo. Asimismo, se valorará
la capacidad de establecer relaciones de paralelismo entre obras
distintas pero con resultados similares.
6. Realizar una crítica o comentario de un concierto o de una audición,
complementando lo escuchado y lo trabajado en clase con aportaciones
personales y documentación buscada por el propio alumnado.
A través de este criterio podrá evaluarse la comprensión de la obra, la
asimilación de lo estudiado, así como la capacidad para encontrar
información adecuada y desarrollar una explicación fundamentada,
razonada y sentida.
7. Comentar oralmente o por escrito la relación entre música y texto en
obras de diferentes épocas y estilos.
Con este criterio de evaluación se podrá valorar la capacidad para
comprender el tratamiento que ha realizado el compositor del texto: si
ha sido descriptivo, si es una mera excusa, si el poema o texto de
partida determina la forma, si el punto culminante coincide con palabras
especiales, etc.
Análisis musical II
Contenidos
1. Contenidos comunes:
- Adquisición de buenos hábitos de escucha y respeto a los demás durante
la interpretación de la música.
- Expresión precisa de las impresiones producidas por obras escuchadas y
valoración de sus características constructivas.
- Elaboración de trabajos, individuales o en grupo, sobre análisis y
contextualización estilística de obras musicales.
2. La música medieval:
- Estudio analítico de las características sonoras y estilísticas,
formas y géneros del Canto Gregoriano y otros cantos litúrgicos, la
música profana, la polifonía, el Ars Antiqua y el Ars Nova.
3. El Renacimiento:
- Estudio analítico de las características sonoras y estilísticas
(agrupaciones vocales e instrumentales, sonoridades verticales,
cadencias, ornamentos...), formas, escuelas y géneros.
4. El Barroco:
- Estudio analítico de las características sonoras y estilísticas
(acordes, procedimientos armónicos, cadencias, ornamentación,
sonoridades...), formas y géneros de la música vocal e instrumental.
5. El estilo galante y el Clasicismo:
- Estudio analítico de las características sonoras y estilísticas
(acordes, procedimientos armónicos, cadencias, ornamentos...), formas y
géneros de estos periodos. El estilo galante o rococó: la transición al
Clasicismo. El Clasicismo vienés.
6. El Romanticismo:
- Estudio analítico de las características sonoras y estilísticas
(acordes, procedimientos armónicos, cadencias, ornamentación,
sonoridades...), formas y géneros de la música romántica. Surgimiento de
los nacionalismos.
7. El Post-romanticismo y los Nacionalismos:
- Estudio analítico de las características sonoras y estilísticas
(acordes, procedimientos armónicos, cadencias, resurgimiento del
modalismo, sonoridades...), formas y géneros de la música
post-romántica. Desarrollo de las diferentes escuelas nacionales. Uso de
la tímbrica y tratamiento de la orquesta.
8. El Impresionismo:
- Estudio analítico de las características sonoras y estilísticas
(acordes, procedimientos armónicos, cadencias, nuevo uso del modalismo,
sonoridades...), formas y géneros de la música impresionista.
Principales autores y sus técnicas compositivas. Influencia de la música
de otras culturas.
9. La música en el siglo XX:
- Estudio analítico de las características sonoras y estilísticas
(procedimientos armónicos, cadencias, sonoridades...), formas y géneros
de la música del siglo XX. Principales movimientos y compositores más
importantes.
10. La música electroacústica:
- Estudio de la música electroacústica: sus orígenes y evolución. Nuevos
instrumentos para la nueva música: los sintetizadores, el ordenador,
etc. Música electrónica pura y música mixta. |